LONDRES, 4 de agosto de 2025: Pauline Karpidas pertenece a la gran tradición del siglo XX de las Grandes Damas, coleccionistas cuyo devoto mecenazgo, espíritu indomable y curiosidad intelectual irreprimible moldearon la apreciación del arte y los artistas de su época. Su singular casa londinense fue el epicentro de sus residencias, donde se albergó el núcleo surrealista de su colección.
Este septiembre, las subastas de la colección londinense de Sotheby's contarán la historia de una trayectoria de coleccionismo a lo largo de medio siglo y más. Obras maestras de Hans Bellmer, Max Ernst, Yves Tanguy, René Magritte, Leonora Carrington, Salvador Dalí, Pablo Picasso, Andy Warhol y Jeff Koons se ofrecerán junto con muebles únicos diseñados y creados personalmente para Pauline por Claude y François-Xavier Lalanne, Mattia Bonetti y André Dubreuil. Con 250 lotes en total, cuyo valor estimado ronda los 60 millones de libras, esta emblemática serie de subastas es la colección designada más valiosa jamás ofrecida en Europa.
Las subastas se llevarán a cabo del 17 al 19 de septiembre, con ventas diurnas, vespertinas y online. Previamente, desde el 8 de septiembre, una exposición inmersiva recreará la casa londinense de Pauline, explorando la historia del surrealismo. Diseñada por el creador de la exitosa exposición de Freddie Mercury en 2023, que atrajo a más de 140.000 visitantes, la muestra sumergirá a los visitantes en este movimiento artístico
Pauline Karpidas suele atribuirle a su marido, Constantine «Dinos» Karpidas, el mérito de haberle abierto los ojos a «la belleza de las cosas maravillosas». Constantine era un coleccionista de gran talento, centrado principalmente en obras del siglo XIX y el impresionismo, adquiriendo pinturas de Pierre-Auguste Renoir y Claude Monet en subastas. Sin embargo, tras un encuentro con el galerista griego Alexander Iolas, quien compartía con Constantine su herencia alejandrina, el amor de Pauline por el arte cobró un nuevo impulso. Con tenacidad, determinación y un diálogo fluido con la vanguardia, se dedicó a crear una colección impregnada de su propia visión del mundo.
Alexander Iolas fue además un importante representante de artistas, tanto que entre ellos se econtraba nada menos que Andy Warhol . Fue un destacado galerista con establecimientos de arte en todas partes del mundo.
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ANDY WARHOL
Un artista que jugó un papel central en la trayectoria de Pauline y que se convirtió en un gran amigo personal fue nada menos que Andy Warhol. Su primer encuentro se produjo gracias a Iolas en 1978, quien llevó a Pauline y Dinos a conocer a Warhol en Nueva York para pedirle que les hiciera un retrato. Sin embargo, fue la afición mutua de Pauline y Warhol por los ostentosos diseños de joyería de Belperron y JAR lo que consolidó su vínculo.
La subasta ofrece cuatro importantes pinturas del artista. Entre los lotes más destacados se encuentran dos obras inspiradas en Edvard Munch, su artista favorito junto a Henri Matisse: Madonna y Autorretrato con el Brazo de Esqueleto (Después de Munch) (estimación: 1,5-2 millones de libras) y El Grito (Después de Munch) (estimación: 2-3 millones de libras). Estas pinturas pertenecen a la serie "Arte a partir del Arte" de Warhol, donde transformó algunas de las imágenes más reconocibles e icónicas de la historia del arte para convertirlas en inconfundiblemente suyas a través de su característica estética pop, desde El nacimiento de Venus de Botticelli hasta La última cena de Leonardo da Vinci.
En 1982, Warhol quedó cautivado por Munch tras visitar varias veces una exposición de 126 pinturas y grabados en la Galleri Bellman. Al año siguiente, los propietarios de la galería le encargaron una serie de quince pinturas inspiradas en lo que había visto. Madonna y autorretrato con esqueleto es uno de los cinco únicos ejemplos conocidos de esta serie que presenta la enigmática combinación de pinturas de Munch. Aquí, la evocadora Madonna de Munch se convierte en un emblema de poderosa feminidad, similar a las Marilyns y Jackies de Warhol. El grito es también una de las cinco únicas versiones en lienzo creadas, y este ejemplo se distingue por su paleta increíblemente vibrante y fluorescente.
Otro ejemplo de la inspiración de Warhol en otros artistas es El poeta y su musa (después de De Chirico) (estimado: 600.000-800.000 libras): un encuentro entre el rey del arte pop y el padre del surrealismo. Warhol y Giorgio de Chirico se conocieron en 1970, antes de la exposición retrospectiva de este último en el Museo de Arte Moderno en 1982, y Warhol sintió afinidad con la serialización y la repetición del artista italiano. Para De Chirico, era su visión metafísica —alusiones clásicas, maniquíes, trenes y paisajes urbanos vacíos— o para Warhol, su nostálgica mitificación de signos, símbolos y celebridades.
En esta obra, Warhol transforma una de las obras más reconocibles de De Chirico en un mosaico de cuatro imágenes repetidas. La imagen original de 1925 muestra maniquíes con túnicas y rostros anónimos, con un poeta de pie y una musa sentada en un espacio vacío. El recorte preciso de la imagen realizado por Warhol acentúa la claustrofobia de la composición onírica de De Chirico, y su serigrafía característica proyecta una vitalidad incandescente sobre el lienzo.
La subasta también ofrece dos pinturas del propio De Chirico: La Guerra (estimación: 1-1,5 millones de libras) y Nudo (estimación: 600.000-800.000 libras). La Guerra, una obra fundamental pintada durante el servicio militar del artista en Ferrera entre 1916 y 1917, perteneció a las colecciones de André Breton, del artista surrealista inglés Gordon Onslow Ford y del pintor, escritor y galerista estadounidense William S. Copley.
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| CORTESÍA DE SOTHEBY´S |
Pocas figuras en el arte del siglo XX están tan inmersas en la leyenda como Man Ray, el surrealista visionario cuyas fotografías definieron el círculo artístico de vanguardia del París de antes de la guerra. El Man Ray de Andy Warhol (estimado: £400,000-600,000) consagra al artista como un ícono del pop imbuido de una mística surrealista desafiante y excéntrica. En 1973, Warhol viajó a París para conocer a un Man Ray de ochenta y tres años en su estudio, un día que resultaría ser muy divertido para ambos artistas. Armado con su característica Polaroid, Warhol fotografió obsesivamente a Man Ray, capturándolo en diversas apariencias y estados de ánimo y con accesorios como una gorra de marinero y un cigarro. Warhol sentía una profunda reverencia por Man Ray, coleccionando ávidamente sus fotografías, más de 25 de las cuales se incluyeron en la venta de bienes de Warhol cuando murió. Se sintió naturalmente atraído por los enigmáticos retratos sociales que Man Ray realizó de celebridades y figuras de la alta sociedad como Pablo Picasso, Dora Maar y Kiki de Montparnasse. Esta imagen pictórica es un recuerdo del encuentro de dos grandes artistas cuyos legados marcaron el curso del arte moderno del siglo XX.
FRANCIS PICABIA
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Si ven el video encontrarán la pintura Deux Amies , pintada por Francis Picabia alrededor de 1940-41, (valor estimado: 2,2-2,8 millones de libras), una pintura que marca un momento significativo en la carrera final del artista , al alejarse de la experimentación dadaísta para centrarse nuevamente en la figuración.
La pintura representa dos figuras femeninas entrelazadas cuyos estados emocionales contrastantes —una retraída, la otra absorta— desafían las nociones tradicionales de belleza e intimidad y ofrecen una representación ambigua y psicológicamente compleja del deseo (un tema clave del surrealismo). Creada durante la ocupación nazi de Francia, Deux amies puede interpretarse como una sutil forma de resistencia, que resalta el deseo queer y subvierte las normas sociales y estéticas dominantes. «Deux amies» permaneció en el patrimonio del artista hasta 1979, tras lo cual pasó a la colección de su esposa, Olga Mohler Picabia. Posteriormente, pasó a la colección del destacado artista, escultor y curador austriaco, el profesor Oswald Oberhuber, antes de ser adquirida por Pauline en 2003.
Pero en la subasta también hay otras pinturas de Picabia: Homme et femme au bord de la mer, una pintura de 1930 cuyo mensaje es claro, un hombre y una mujer emergiendo del mar, con un color vívido y bordes muy remarcados. En este período, Picabia exploró lo que William Camfield describe como su "estilo de letrero", caracterizado por figuras simplificadas y delineadas audazmente y un espacio pictórico aplanado que evoca tanto la señalización comercial como los frisos clásicos.Sin embargo ese estilo cristalizó un lenguaje que era al mismo tiempo accesible y subversivo, ofreciendo un comentario profético sobre cómo las imágenes dan forma a la percepción y al deseo en la era moderna. Untitled (Spagnola) es la otra obra. Pintada en la década de 1920, culturalmente vibrante y estilísticamente pluralista, la obra se alinea con una tendencia más amplia entre los artistas europeos que recurrieron a las tradiciones populares y a los motivos históricos en busca de inspiración.
LEONORA CARRINGTON (ver en el video)
En La Hora del Ángelus de Leonora Carrington , tres figuras femeninas celebran una oración devocional católica que tradicionalmente se recita tres veces al día en honor a la Virgen María, quizás en referencia a la educación temprana de la artista en escuelas conventualesEn el cuadro de Leonora Carrington, La Hora del Ángelus, se observa a tres figuras femeninas participando en la oración católica del Ángelus. Esta devoción, recitada tradicionalmente tres veces al día en honor a la Virgen María, podría aludir a la educación temprana de la artista en escuelas conventuales.. Pintada en 1949 mientras Carrington vivía en México, esta obra etérea también refleja la profunda inspiración que encontró en el rico tapiz de tradiciones del país, donde los sistemas de creencias azteca, maya y católica coexistían en sorprendente armonía. Estos sistemas tenían un profundo significado personal para Carrington, evocando los mitos irlandeses que le transmitió su abuela durante su infancia.
El formato de la pintura, que recuerda a una tabla del Renacimiento temprano, revela el diálogo constante de Carrington con la historia del arte. Influenciada por sus primeros estudios en Florencia, la obra evoca el espíritu de los maestros italianos del siglo XV, así como los mundos fantásticos de El Bosco y Bruegel. También refleja su compromiso con el ideal renacentista de ut pictura poesis (narración a través de imágenes), un principio que compartía con los pintores visionarios que admiraba. Tan solo un año después de su finalización, La Hora del Ángelus se exhibió como parte de la primera exposición individual de Carrington en México.
YVES TANGUY (ver en el video)
Un formidable ejemplo de los paisajes surrealistas de Yves Tanguy, Titre inconnu (estimado: 1-1,5 millones de libras esterlinas) fue pintado en 1929 durante un momento crucial de su desarrollo, cuando adoptó una técnica casi automática (trabajando instintivamente sin bocetos previos). Tanguy comentó en una ocasión: «La pintura se desarrolla ante mis ojos, desplegando sus sorpresas a medida que avanza... Soy incapaz de trazar un plan o hacer un boceto de antemano». Esta obra evoca las costas costeras de Bretaña, donde Tanguy pasó su infancia. Las frecuentes visitas durante la década de 1920 a este terreno accidentado, con sus acantilados azotados por el viento y antiguos yacimientos neolíticos, dieron origen a un léxico visual único, que culminó en visiones como esta vasta extensión onírica.
La pintura no solo ha pasado por las manos de varios coleccionistas importantes, desde el novelista y poeta francés Raymond Queneau hasta el artista gráfico Georges Hugnet, la galerista Simone Collinet y William N. Copley, sino que también cuenta con una ilustre trayectoria expositiva, habiendo participado en la importante retrospectiva itinerante dedicada a Tanguy, que comenzó en el Centro Pompidou en 1982-83.
SALVADOR DALÍ (Ver en el video)
El Retrato de Gala Galerina de Salvador Dalí (estimado: 350.000-450.000 libras esterlinas) es un raro dibujo a lápiz de su esposa y musa, Gala, a quien conoció en 1929 en un encuentro que describió como amor a primera vista. Su relación, tan mítica como matrimonial, marcó el curso de la vida del artista: ella fue su constante en una realidad por lo demás turbulenta, y un espejo en el que su universo surrealista encontró su reflejo más perfecto. Este sereno dibujo de 1941, creado en el contexto de su exilio durante la guerra, ejemplifica cómo la devoción de Dalí por Gala le permitió una renovada seriedad estética al sumergirse en las técnicas de Rafael, Leonardo da Vinci y Velázquez.
El Retrato de Gala Galerina perteneció en su día a Edward James, poeta británico y uno de los mecenas y primeros partidarios más importantes de Dalí. Exhibida en algunas de las retrospectivas más significativas de Dalí, ha sido reconocida repetidamente como una pieza clave de su obra gráfica.
MOBILIARIO
Claude y François-Xavier Lalanne son hoy sinónimo de los mejores diseñadores de interiores y coleccionistas. Pauline conoció a los Lalanne en su mágico hogar y taller en Ury, a las afueras de París, en 1978, convirtiéndose en una de sus primeras coleccionistas antes de que saltaran a la fama. En los años posteriores a esa primera visita, Pauline encargó a los Lalanne la creación de piezas a medida que conforman una colección muy personal, fruto de una verdadera amistad.
A través de las piezas de Lalanne, cada elemento de la decoración de la casa londinense de Pauline se impregna de belleza y extravagancia, invitando al espectador a mirar dos veces: desde su extraordinaria cama (estimada: 200.000-300.000 libras), una composición lírica que presenta el motivo del búho característico de Pauline, hasta la poética lámpara de araña con forma de mariposa (estimada: 150.000-200.000 libras) que colgaba sobre su escalera.
Encapsulando la larga y personal colección de Pauline con la visión de Lalanne se encuentra el encantador Choupatte (estimado: 300.000-400.000 libras esterlinas), una fusión surrealista de un repollo naturalista con dos patas de ave, que se posó sobre una mesa de Diego Giacometti (estimado: 180.000-250.000 libras esterlinas) en el salón de Pauline.
Entre las creaciones más singulares para Pauline se encontraban los taburetes de cocodrilo de Claude (estimado: 180.000-250.000 libras esterlinas), un modelo nunca antes visto en el mercado. Los orígenes de la serie Cocodrilo son tan surrealistas como las propias obras. En 1972, bajo la luna llena, Lalanne visitó a medianoche el zoológico local para tomar posesión de un cocodrilo recientemente fallecido, gracias a la conexión de la artista Niki de Saint Phalle con el director del zoológico. Claude había imaginado durante mucho tiempo incorporar cocodrilos a su trabajo, y esto le permitió producir una amplia gama de obras con una fidelidad asombrosa.
En el dormitorio de Pauline colgaba un impresionante espejo Structure Végétale (estimado entre 200.000 y 300.000 libras), otra de las creaciones únicas de Claude. El impactante espejo está adornado con hojas de cobre de tamaño natural, lo que permite que la experiencia cotidiana se impregne de la maravilla del mundo natural.
El diseño de la casa de Pauline no habría sido el mismo sin los diseños de muebles de Mattia Bonetti y André Dubreuil, quienes continuaron la tradición de los Lalanne de fusionar a la perfección el arte refinado con la vida funcional. La librería del salón (estimada: 50.000-70.000 libras esterlinas) de Bonetti fue una audaz pieza central de la residencia londinense, un espacio surrealista, a la perfección, para los libros, objetos de curiosidad y obras de arte de Pauline. Otro encargo singular fue el Escritorio Espectacular (estimado: 40.000-60.000 libras esterlinas) de Dubreuil, que ofrece una reinterpretación contemporánea del estilo Luis XV, con un enfoque innovador en materiales modernos.
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| Cortesía de Sotheby´s |
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| Cortesía de Sotheby´s |
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| Cortesía de Sotheby´s Pauline conoció a Jeff Koons en la década de 1980, cuando este se encontraba entre las figuras más brillantes de la escena artística neoyorquina. Sus obras, cautivadoras y provocativas, asumieron el relevo que habían dejado los artistas surrealistas. Encantador y misterioso a la vez, el Caniche (valor estimado: entre 1 y 1,5 millones de libras) vivió durante muchos años en la entrada de Pauline, elegantemente acomodado bajo una consola Lalanne, saludando a los visitantes con su majestuosa pose de esfinge y sus intrincados rizos. Esta obra surrealista de tamaño natural, que presume de una suntuosa artesanía que evoca la gran tradición de la escultura barroca, encapsula el continuo desafío de Koons a las nociones convencionales de imagen, gusto y consumismo en la América del siglo XX. Antaño una raza utilitaria de perros de trabajo, los caniches se convirtieron en la compañía predilecta de la realeza y la nobleza en Francia, declarados «perro nacional» por Luis XVI, por lo que se les asocia con la elegancia. |
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