QUÉ ES UNA MASTERPIECE?: ESTAS CUATRO OBRAS SON EJEMPLO DE ELLO.

 

Sotheby's ofrecerá cuatro obras maestras de figuras clave del arte impresionista y moderno

Abarcan medio siglo de arte moderno. Encabezadas por el Jardín Italiano Iluminado por el sol de Monet, que perteneció a John Singer Sargent, y la Radiante Vista de Marsella de Signac, apreciada por la familia del artista, junto con obras emblemáticas de Léger y Degas

En la Subasta Nocturna Moderna y Contemporánea de Londres, el 4 de marzo

Maison de jardinier captura uno de los momentos más transformadores de la carrera de Monet, pintado durante su estancia de diez semanas en la Riviera italiana a principios de 1884. Aunque viajó mucho, Monet encontró en Bordighera un paisaje diferente a cualquiera que hubiera pintado antes, definido por una intensa luz mediterránea y una vegetación exuberante y desconocida que planteó un formidable desafío artístico. Al abordar la región no como un respiro, sino como un problema constante que debía resolverse mediante la pintura, Monet trabajó con notable intensidad, a menudo pintando todo el día y haciendo una breve pausa para almorzar. Fascinado por la novedosa combinación de luz y vegetación exótica, se centró en un número limitado de motivos, volviendo repetidamente a ellos desde puntos de vista sutilmente variados. Esta obra (VEAN EL VIDEO), que representa el célebre jardín de Francesco Moreno, pertenece a un pequeño pero significativo grupo ejecutado durante esta breve estancia en Italia. Las pinturas de estas diez semanas son ahora notablemente raras en el mercado, y muchos de los mejores ejemplos se conservan en importantes colecciones de museos, entre ellos el Museo de Orsay, el Museo Metropolitano de Arte, el Museo de Arte de Dallas y el Instituto de Arte de Chicago.

Igualmente cautivadora es la distinguida procedencia de la pintura, que la sitúa en el corazón de la historia transatlántica del impresionismo. Adquirida en 1891 por John Singer Sargent, amigo íntimo y uno de los primeros defensores de la obra de Monet, la pintura pasó posteriormente por varias distinguidas colecciones estadounidenses, entre ellas la de Sarah Choate Sears. Con la ayuda de Mary Cassatt, Sears comenzó a dar forma a un notable conjunto de obras impresionistas tempranas, adquiriendo pinturas de Edgar Degas, Édouard Manet y sus contemporáneos. Sus viajes por Europa con Cassatt y Gertrude Stein la adentraron aún más en el mundo artístico, donde se desenvolvió con soltura entre pintores, músicos y escritores. . Tanta era la amistad entre ambos pintores que John Singer Sargent pintó a Claude Monet, pintando. (VEAN LA FOTO )

Marsella,el puerto de Paul Signac sale a subasta en un momento de renovada atención institucional hacia el

movimiento neoimpresionista, tras la reciente exposición en la National Gallery de Londres y anticipando la

próxima muestra en el Courtauld Institute of Art dedicada a su figura emblemática, Georges Seurat.

La pintura presume de una distinguida procedencia: permaneció en la familia del artista durante muchos años

después de su creación, pasando de manos de la hija de Signac, Ginette Signac, quien la donó a Henri Cachin

en 1968.

foto del antiguo puerto de Marsella, Francia

En las últimas décadas de su vida, Signac regresó repetidamente a los puertos de Francia,

encontrando en ellos la síntesis perfecta de sus dos pasiones de toda la vida: la pintura y el mar.

Ávido marinero, disfrutaba enormemente de la cambiante interacción de barcos, luz y actividad humana

que animaba ciudades costeras desde Saint-Tropez hasta Venecia, e incluso lugares tan lejanos como

Constantinopla. Este enfoque marítimo cobró un nuevo impulso en 1929, cuando Gaston Lévy,

empresario francés y amigo cercano, invitó a Signac a producir una importante serie de acuarelas dedicadas

a los puertos del país. Durante los tres años siguientes, Signac viajó extensamente, creando un notable

conjunto de vistas costeras, paisajes marinos y estudios de la vida portuaria. Incluso después de completar

el encargo de Lévy en 1932, continuó viajando por Francia en busca de nuevo material. Para 1934,

año en que pintó Marsella, el puerto, Signac dividió su tiempo entre París y la costa norte antes de dirigirse al

sur en septiembre para la que sería su última visita a Marsella.

SIGNAC NEOIMPRESIONISMO E INVESTIGACIÓN DEL COLOR

Aunque Signac se inspiró a menudo en tradiciones artísticas anteriores, se mantuvo entre los pintores más

vanguardistas de su generación. Marsella, el puerto representa la culminación radiante de su continua

investigación sobre el color, la estructura y las posibilidades expresivas del neoimpresionismo.

Hasta su muerte en 1935, Signac fue considerado una figura central del movimiento, firme en su compromiso

con sus principios. Su luminosa visión cromática resonó profundamente entre los artistas del siglo XX, influyendo

en Matisse, Bonnard, Kandinsky y Kupka.

PUNTILLISMO

El puntillismo (o divisionismo) es una técnica pictórica surgida de los estudios cromáticos tanto de Paul Signac como del pintor francés Georges Seurat (1859-1891). Se trata de preservar la vibración luminosa mediante la aplicación de puntos o toques de color

que al ser observados desde una distancia determinada , permiten a la retina componer las combinaciones tonales

deseadas, resultando en figuras y paisajes bien definidos.

Seurat y Signac, junto con otros artistas, participaron en la Société des Artistes Indépendants (fundada en 1884).todos ellos seguidores del puntillismo o divisionismo

Vean la obra de Signac en el video que es un ejemplo magnífico de esta técnica,

y para observar el efecto más de cerca vean este detalle de la obra La Parade (1889), obra puntillista de Georges Pierre Seurat.

MIL QUINIENTAS OBRAS SOBRE EL BALLET

La obsesión de Degas por el ballet, que perduró toda su vida, se extendió a todos los rincones de su universo, desde la pulida apariencia escénica hasta las serenas rutinas tras el telón. La danza le proporcionó un campo inagotable para la exploración artística, donde podía cambiar continuamente la posición de sus figuras y repensar la puesta en escena circundante. A lo largo de más de mil quinientas obras en múltiples medios, trazó la trayectoria completa del bailarín, desde los ensayos hasta la cúspide de la actuación. La escena de ballet reúne varios momentos distintivos de una actuación en una composición única y unificada.

En el escenario, el vestuario de los bailarines brilla con luminosos toques de color que se funden con los contornos difusos de la escenografía, creando formas que oscilan entre la representación y la abstracción. Sin embargo, en el centro del lienzo, los cuerpos de los bailarines están representados con una precisión asombrosa. Degas aplicaba la pintura con notable energía, utilizando a menudo el pulgar para manipular el pigmento, un método visible en las impresiones dejadas sobre la superficie. El tema también permitió a Degas aludir al entorno social más amplio del ballet. Una figura tenuemente en sombras, vestida de negro, se sitúa entre los dos bailarines en primer plano a la izquierda. Si bien tal presencia podría representar a un maestro de ballet, es más probable que se trate de un admirador entre bastidores, un arquetipo familiar en las representaciones de Degas de la Ópera de París.

En Scène de ballet, Degas —acertadamente llamado «el pintor de bailarines» por sus contemporáneos— entrelaza las actividades que se desarrollan tanto en el escenario como entre bastidores. Haciendo gala de su brillantez como audaz colorista y agudo cronista de la vida moderna, la obra transmite con notable sensibilidad el vibrante mundo del ballet parisino.

FERNAND LÉGER Y SU PARTICULAR CUBISMO

""Les Hommes dans la ville" es una poderosa declaración del compromiso de Fernand Léger con la vida urbana moderna y la estética de la reconstrucción industrial tras la Primera Guerra Mundial. Estrechamente relacionada con la versión de mayor tamaño, actualmente en la Colección Peggy Guggenheim de Venecia, la obra pertenece a un grupo de composiciones a través de las cuales Léger articuló su creencia en la responsabilidad moral del arte de abrazar la utilidad y participar en la reconstrucción de la sociedad. Regresó repetidamente a este tema, produciendo múltiples versiones en diferentes formatos, lo que subraya su importancia dentro de su obra de posguerra.

Construida a partir de elementos mecánicos descontextualizados, como tuberías, válvulas y engranajes metálicos, entrelazados con bandas de color primario sin modular, esferas y fragmentos de arquitectura moderna, la composición ejemplifica la transición de Léger de la deconstrucción cubista a un proceso de ensamblaje. Se suprimen la profundidad y el modelado, apretando la superficie en un campo rítmico en capas en el que las formas se inclinan y se abren en abanico hacia afuera antes de volver al equilibrio, generando un pulso enérgico, casi jazzero y una expresión audaz de la confianza mecánica del París de la posguerra.