LA COLECCIÓN DE ADELE Y ENRICO DONATI Y UN ARLEQUÍN QUE CAMBIÓ LA PINTURA

 

 

La colección de Adele y Enrico Donati, artistas y coleccionistas claves en los círculos pictóricos de Nueva York, está encabezada por uno de los retratos cubistas más importantes de Pablo Picasso:

Arlequín (Busto), precio estimado: 40 millones de dólares

También se subastarán dos obras maestras modernas inéditas, entre ellas:

Rote Tiefe (Profundidad Roja), de Wassily Kandinsky, perteneciente al período Bauhaus

(Precio estimado: 12 - 18 millones de dólares) y 

Aux aguets le jour, de Yves Tanguy, donada por Tanguy a Donati

(Precio estimado: 800.000 - 1,2 millones de dólares)

Sin título, de Alexander Calder, adquirida por Donati a cambio de su obra

(Precio estimado: 700.000 - 1 millón de dólares)

Reunida por Enrico Donati, artista de renombre que se relaciona con algunos de los artistas más célebres del

siglo XX, esta colección narra de diversas maneras las historias de las amistades e intercambios

dentro de esta comunidad. Cada pieza ofrece una ventana a las ideas que impregnaron

el surrealismo, el cubismo y el modernismo.

— Julian Dawes, Vicepresidente de Sotheby’s, Director de Arte Impresionista y Moderno

NUEVA YORK, 13 de abril de 2026 - Este mes de mayo, Sotheby’s subastará obras de la colección de Adele y Enrico Donati, dos figuras clave en los círculos creativos de Nueva York. Figura fundamental dentro del ambiente surrealista, Enrico Donati, a menudo considerado «el último surrealista», fue a la vez artista y confidente de muchas de las figuras más importantes del movimiento, entre cuyos amigos cercanos se encontraban Marcel Duchamp, Max Ernst y André Breton. Junto a él se encontraba su esposa, Adele Donati, diseñadora y artista, quien examinó la colección con ojo crítico, influenciada por su trabajo en publicidad y moda.

La colección, que rara vez se exhibió públicamente, refleja la amplitud de las amistades e influencias de Enrico. Destaca el Arlequín (Busto) de Pablo Picasso, estimado en unos 40 millones de dólares, uno de los retratos cubistas más importantes de la primera etapa del artista, creado apenas dos años después de Las señoritas de Avignon. Es una de las obras más importantes de este momento decisivo que se ha subastado en las últimas décadas.

Picasso pintaba arlequines principalmente porque se identificaba con este personaje de la Commedia dell'arte, utilizándolo como un álter ego melancólico y complejo. El arlequín representaba para él la dualidad entre la alegría y la tristeza, la vida bohemia y la agilidad creativa, permitiéndole explorar temas autobiográficos, la soledad del artista y posibilidades plásticas coloridas a lo largo de diversas etapas, desde el período rosa hasta el cubismo. 

La obra permaneció en la colección personal de Enrico Donati y su esposa Adele durante más de 60 años. Tras la muerte de Donati en 2007, la pintura ha sido destacada en subastas de alto perfil,

Donati descubrió el arlequín de Picasso en el Museo Nacional de Arte Moderno de París y quedó cautivado. Poco después, visitó la Galería Louise Leiris, donde conoció al legendario marchante de Picasso, Daniel-Henry Kahnweiler. Cuando le explicó a Kahnweiler cuánto deseaba esa obra y le preguntó su precio, Kahnweiler le preguntó cuánto dinero tenía y, sin dudarlo, le sugirió que el precio era exactamente lo que Donati llevaba en el bolsillo. Dicen que Donati no pagó más de 12 mil dólares.

En el cuadro, Picasso toma uno de sus motivos más legendarios, el arlequín, y lo transforma a través de la perspectiva radical del cubismo temprano. Tradicionalmente asociado al teatro del siglo XVII, el artista circense ambulante se convirtió en una figura recurrente en la obra de Picasso, representando a menudo a los marginados y a quienes vivían al margen de la sociedad. El propio Picasso sentía una afinidad especial por el arlequín, llegando incluso a utilizarlo como un autorretrato velado en obras maestras como Au Lapin Agile (1905). En Arlequín (Busto), destila la figura hasta su esencia, reduciéndola a una serie de formas geométricas.

Rote Tiefe (Profundidad Roja) Wassily Kandinsky

Realizada en un momento crucial de su etapa en la Bauhaus, Rote Tiefe (Profundidad Roja)

de Wassily Kandinsky resume la filosofía pictórica del artista en un momento de transformación decisiva. Pintada en junio de 1925, la obra pertenece al periodo clave en el que la abstracción de Kandinsky alcanzó su articulación geométrica más rigurosa, conservando a la vez la resonancia poética y espiritual que había definido su arte desde los años de Der Blaue Reiter (El Jinete Azul). En Rote Tiefe, la intensidad cromática y la construcción espacial convergen en una composición que ejemplifica la convicción de Kandinsky de que la pintura es un lenguaje universal regido por una necesidad intrínseca.

La obra pertenece al periodo clave en la trayectoria de Kandinsky, en el que su abstracción

alcanzó una articulación geométrica rigurosa. A pesar de esta precisión formal,

la pieza logra conservar la profunda resonancia poética y espiritual que caracterizó su arte

desde los años de Der Blaue Reiter (El Jinete Azul).

Rote Tiefees un ejemplo de la convergencia de una intensa intensidad cromática y una cuidada

construcción espacial. La composición ejemplifica la convicción fundamental de Kandinsky

de que la pintura constituye un lenguaje universal, regido por una necesidad intrínseca y propia.

Desde sus primeros paisajes de Murnau hasta el automatismo de

sus Improvisaciones y las posteriores abstracciones de Moscú, la trayectoria de Kandinsky

estuvo marcada por la búsqueda de la expresión inmaterial. Sin embargo, con el tiempo,

su lenguaje visual, cada vez más complejo, experimentó un proceso gradual de refinamiento

y clarificación estructural, una inclinación que alcanzaría su máxima expresión durante

sus años en la Bauhaus y en obras como Rote Tiefe.

Yves Tanguy (1900–1955) fue un pintor francés de nacimiento, célebre por su obra surrealista, que se nacionalizó estadounidense en 1948. Nacido en París, se mudó a Estados Unidos en 1939 al estallar la Segunda Guerra

Mundial, viviendo allí el resto de su vida 

El título de la obra, que le regaló a Donati , Aux aguets le jour, anuncia una particular cualidad de atención, que Tanguy plasma aquí en una cautivadora escena de formas totémicas, semejantes a ameboides, distribuidas en una llanura enigmática e infinita, cuya disposición no sugiere ni movimiento ni reposo, sino una suspensión espectral. Pintada en 1939, año en que Tanguy llegó a Nueva York bajo la creciente amenaza de la guerra en Europa, Aux aguets le jour es una expresión fundamental de su lenguaje surrealista maduro: una pintura en la que la inmensidad de un mundo deshabitado se mantiene en tensión con una aguda e inquietante sensación de presencia.

ENRICO DONATI

“En 1943, tuve una exposición en la Escuela de Investigación Social de Nueva York. Venturi vino y me dijo que debía conocer a André Breton. Nos presentó y Breton decidió que yo era surrealista. Escribió un prefacio para una exposición en Passadoit donde escribió: «Amo las pinturas de Enrico Donati como amo una noche de mayo». Todos los surrealistas vinieron a la exposición: Tanguy, Max Ernst, Ozenfant también. Desde entonces, formé parte del grupo.”

– Enrico Donati

Considerado uno de los últimos exponentes del surrealismo, la carrera del italoamericano Enrico Donati comenzó en la década de 1930 en París, donde se sumergió en la vanguardia cultural parisina y conoció la obra de los surrealistas. Sin embargo, en 1939, ante la creciente amenaza de guerra en Europa, Donati se trasladó con su joven familia a Nueva York, sumándose a la oleada de artistas e intelectuales europeos que huían del continente. En 1942 realizó su primera exposición individual en la ciudad, en la New School for Social Research. André Breton la visitó, lo proclamó inmediatamente surrealista y le dio la bienvenida al movimiento.

A partir de entonces, Donati se integró en el círculo íntimo de artistas y escritores europeos emigrados a Nueva York, entre ellos Marcel Duchamp e Yves Tanguy, contribuyendo a la vibrante vida artística de la ciudad durante los años de la guerra. Él y otros artistas se reunían a diario para almorzar en Larre's, en la calle 56 y la Sexta Avenida. Estas reuniones, llenas de camaradería, se convirtieron en un espacio para el intercambio de ideas y a menudo iban seguidas de excursiones a tiendas de antigüedades cercanas en busca de objetos «encontrados» o «surrealistas».

Mientras desarrollaba su propia práctica artística, colaboró ​​con sus amigos artistas en proyectos y exposiciones, al tiempo que iba reuniendo una valiosa colección propia: compraba obras de artistas que admiraba, pero también adquiría piezas gracias a sus amistades —mediante intercambios, regalos o gestos de apoyo— o, a veces, simplemente compraba un cuadro para ayudar a un amigo.

El grupo surrealista almorzaba junto todos los días en Larre, en la esquina de la calle 56 y la Sexta Avenida. Nos sentábamos en una mesa grande cerca de la ventana y podíamos ver entrar a todos (Breton, Callis, Gorky, Seligman, Julio Diego, quien se casó con Gypsy Rose Lee). Un día, Breton se levantó de repente e hizo una reverencia a alguien que entraba: ¡Marcel Duchamp! Se sentó a mi lado y me preguntó mi nombre. Me dijo que lo llamara Marcel y desde entonces fuimos grandes amigos.

insaciablemente curioso, Donati reinventó su estilo varias veces a lo largo de sus seis décadas de carrera, oscilando entre las influencias del surrealismo, el constructivismo y el expresionismo abstracto, pero manteniendo siempre un estilo surrealista único. En 1947, regresó a París como uno de los organizadores de la Exposición Internacional del Surrealismo, donde se incluyeron tres de sus obras.

En 1961, se le dedicó una importante retrospectiva en el Palacio de Bellas Artes de Bruselas y participó frecuentemente en exposiciones colectivas en Estados Unidos y en el extranjero. Actualmente, sus obras forman parte de importantes colecciones de museos, como el Museo de Arte Moderno (MoMA), el Museo Solomon R. Guggenheim y el Museo Whitney de Arte Estadounidense en Nueva York.

La vida de Adele Schmidt Donati estuvo estrechamente ligada a la de Enrico Donati, desde su encuentro a principios de la década de 1950. Cuando ella, siendo una joven estudiante de arte y prometedora profesional creativa, fue animada a mostrarle sus pinturas, él quedó inmediatamente cautivado y, tras un largo noviazgo, se casaron en 1965.

Aunque Donati ya era un artista surrealista consagrado, Adele aportó su propia formación artística y una aguda sensibilidad visual a su mundo compartido. Desarrolló una exitosa carrera en Nueva York como diseñadora y, posteriormente, como directora creativa de la casa de perfumes francesa Houbigant, sin dejar de lado su profunda pasión por el arte. Adele también fue una filántropa comprometida y defensora de los derechos de los animales, formando parte de la junta directiva de The Fund For Animals y del Humane Society Legislative Fund.

A lo largo de su vida juntos, Adele fue un apoyo constante para Enrico, y juntos forjaron una relación de inspiración mutua, impulsada por sus respectivas vocaciones creativas. Tras su fallecimiento en 2009, ella continuó velando por su legado hasta su propia muerte en 2025.

Estas obras y otras se subastarán en la Subasta Nocturna de Arte Moderno, 19 de mayo en Sotheby's Nueva York