Reunida en tiempos
modernos la Colección Fisch Davison
es una de las grandes protagonistas del mes de enero de 2023 con obras de los
maestros del arte barroco como Sir Peter Paul Rubens y su obra del siglo
XVII, Salomé y la cabeza de San Juan
Bautista que narra un pasaje de los evangelios sinópticos sobre la muerte del
profeta. Esta pintura histórica saldrá a la venta en un estimado de entre 25 y
35 millones de dólares.
Recopilada con pasión y rigor durante tres décadas, la
colección Fisch Davidson destila la esencia y el poder del arte barroco entre
1600 y 1650, y comprende algunas de las mejores pinturas en manos privadas de Guercino,
Bernardo Cavallino, Valentin de Boulogne, Orazio Gentileschi y sobre todo de Sir
Peter Paul Rubens, que en conjunto brindan un sentido integral de las
corrientes artísticas clave que fluyeron a través de la Europa de principios
del siglo XVII.
El 26 de enero, 10 obras de la colección encabezarán las subastas
de la Semana de Maestros de Sotheby's,
encabezadas por la joya de esta colección sin igual, la Salomé de Sir Peter
Paul Rubens a quién le presentan la cabeza decapitada de San Juan Bautista.
Pintado exactamente en el mismo momento de su carrera en que plasmó el cuadro la
gran Masacre de los Inocentes (el Rubens que rompió todos los récords de
precios de los viejos maestros cuando se subastó en Sotheby's en 2002), se
creía que el Fisch Davidson Rubens se había perdido, antes de su
redescubrimiento en 1998.
Como ha señalado George
Wachter, presidente de Sotheby's y codirector mundial de pinturas de maestros
antiguos:
“La colección Fisch
Davidson comenzó en serio cuando la obra maestra redescubierta tempranamente
por Guercino de Jacob sosteniendo el abrigo ensangrentado de Joseph apareció en
una subasta de Sotheby’s en Nueva York en enero de 1995…. Fue a partir de esa
adquisición temprana que se estableció un nivel de tono y gusto para la colección.
Para mí personalmente, se hizo evidente de inmediato que solo se considerarían
las imágenes más audaces y de mejor calidad de los mejores artistas. De hecho,
ese fue el resultado final”.
Christopher Apostle,
Jefe de Pinturas de Maestros Antiguos de Sotheby's en Nueva York, comentó: “Sería difícil descubrir una colección más
ejemplar de obras maestras del barroco, y me considero afortunado de haber
podido encontrar obras de este calibre de cerca. Cada uno de estos artistas
participó en la configuración del arte del siglo XVII; y cada uno todavía tiene
el poder de asombrar hoy, desde la emoción extrema del Jacob de Guercino hasta
la belleza seductora de la sonriente Judith de Procaccini. La notable Salomé de
Rubens, presentada con la cabeza cortada de San Juan Bautista, es la joya
inimitable de la colección cuidadosamente curada, que personifica de muchas
maneras la esencia misma del barroco”.
A través de una serie de adquisiciones sumamente cuidadosas
y reflexivas, la colección se enriqueció posteriormente con pinturas
sorprendentemente complementarias e igualmente excepcionales de los principales
contemporáneos de Guercino, incluidas obras clave de Bernardo Cavallino y
Valentin de Boulogne, y la tercera de las famosas pinturas "Sauli" de
Orazio. Gentileschi, los otros dos están en el Museo Getty.
A lo largo de los años, las pinturas de la colección Fisch
Davidson han ocupado un lugar destacado en las principales exposiciones de
museos de todo el mundo, en The National Gallery, Londres; el Prado, Madrid; El
Museo Metropolitano de Arte, Nueva York (donde Mark Fisch ha sido
fideicomisario durante mucho tiempo) y en otros lugares.
SIR PETER PAUL RUBENS
SALOMÉ Y LA CABEZA DE
SAN JUAN BAUTISTA, C.1609 (Imágen en el video)
ESTIMADO $25,000,000
– 35,000,000
“La representación de Rubens de la decapitación de San Juan Bautista,
pintada tras su regreso a Amberes, es
una obra en la que el todavía joven artista explora sin miedo las dinámicas
violentas y sexuales de la narración bíblica como un Martin Scorsese precinematográfico.
Es el tipo de pintura que, una vez vista, no olvidarás”.
Keith Christiansen, Curador Emérito, Museo Metropolitano de
Arte, Nueva York
Durante mucho tiempo se creyó perdido hasta su
redescubrimiento en 1998, este impactante y hermoso panel es una obra
importante del período poco después de que Rubens regresara a su Flandes natal
de su estancia en Italia. La pintura,
que data de alrededor de 1609, representa la historia de advertencia de Salomé,
que fue popular a principios del siglo XVII por su mensaje de desconfiar de las
mujeres astutas y poderosas, un tema
que Rubens abordaría nuevamente el mismo año, en su obra maestra Sansón y
Delilah, que reside en la National Gallery de Londres. El presente trabajo
estuvo prestado en la Galería Nacional a principios de la década de 2000 y
posteriormente se exhibió junto a Samson y Delilah en la exposición del museo
de 2005-2006 Rubens: A Master in the Making.
Poco se sabe sobre el encargo de la pintura, pero está
documentado en los inventarios reales españoles desde 1666 hasta 1700. Rubens
se comercializó entre los mecenas españoles desde el principio de su carrera,
realizó muchos viajes a España y probablemente recibió este encargo de uno de
los muchos aristócratas españoles que transitaron por Amberes en esos años.
Este trabajo es su único tratamiento de este tema ejecutado para un patrón
privado en lugar de un entorno religioso.
SANSÓN Y DALILA
En esta composición, Salomé se basa en el mismo modelo
femenino y viste el mismo vestido de satén rojo y el mismo manto de satén
amarillo que Dalila en Sansón y Dalila, que se encargó de colgar sobre la
chimenea de Nicolaas Rockox, alcalde de Amberes e importante mecenas y amigo de
Rubens. El tamaño de esta obra sugiere que originalmente se colgó en un entorno
más íntimo. Al igual que Salomé, Dalila usa sus artimañas femeninas para
atrapar al héroe desprevenido Sansón, cortarle el cabello y provocar su caída.
Rubens pintó una tercera obra que se hace eco del tema de las mujeres
peligrosamente poderosas en 1609: las ahora perdidas Judith y Holofernes.
En la fiesta de bodas
del rey Herodes y Herodías, el rey Herodes quedó tan impresionado con el baile
de su nueva nuera Salomé que le prometió cualquier regalo que ella deseara. San
Juan Bautista había condenado recientemente la unión de la madre de Salomé, Herodías,
con su propio cuñado, Herodes, y por esa ofensa, pidió su cabeza.
En esta obra, Rubens
describe el momento posterior a la decapitación, cuando el verdugo comienza a
envainar su espada. Salomé regaña la cabeza en la bandeja de plata, y la criada
que está cerca le tira de la lengua, destacando tanto la espantosa escena como
el motivo de su ejecución: su abierta advertencia sobre el incesto. La
composición magistral incluye seis figuras, cada una de las cuales reacciona de
manera diferente al cuerpo y la cabeza cortada de Juan el Bautista.
VALENTÍN DE BOULOGNE
CRISTO CORONADO DE
ESPINAS (Imágen en el video)
Estimación $4,000,000
- 6,000,000
Pintada alrededor de 1614, esta obra maestra del naturalismo barroco se encuentra entre
las primeras obras de Valentin de Boulogne. Ejecutada poco después de la
llegada de Valentin a Roma, la interpretación llena de patetismo de la burla y
coronación de Cristo es un testimonio de la velocidad con la que internalizó y
luego sintetizó una miríada de fuentes contemporáneas, recientemente
disponibles para él en la Ciudad Eterna.
Cristo coronado de espinas se encontraba anteriormente en la
colección de A. Alfred Taubman y se ofreció en la subasta de su colección de
Antiguos Maestros en Sotheby's en 2016, cuando se vendió por $ 5,2 millones, el
récord actual de subasta para el artista.
Valentin fue el
seguidor francés más consumado de Caravaggio, así como posiblemente su mayor
acólito, y el Cristo coronado de espinas de Caravaggio en Prato sirvió como una
importante fuente de inspiración para el francés, quien adaptó hábilmente su
estilo algo más tenebroso.
En un estilo esencialmente caravaggesco, Valentin presentó a
los actores de la narración casi alineados con el plano de la imagen contra un
fondo negro desnudo, lo que realzaba la inmediatez de la escena. El uso
cinematográfico de la luz para centrar la atención en el Cristo colocado en el
centro evoca igualmente a Caravaggio y a los artistas de su órbita. Valentin
también buscó fuentes mucho más allá de Roma: el motivo cruel del hombre amenazante
que se abalanza sobre el cráneo de Cristo se deriva de un grabado de Annibale
Carracci sobre el mismo tema.
Valentin centra esta
escena en la interacción de tres figuras, todas hechas dal naturale, o "de
la vida". El drama traspasa a través del lienzo, acentuando la tensión
teatral de la imagen. A la izquierda, un joven soldado se arrodilla ante
Cristo, con apenas unos centímetros de separación entre sus rostros, casi un
estudio de opuestos. El perfil del joven está definido por su boca abierta, desde
la cual uno puede imaginarlo gritando invectivas. Por el contrario, Cristo mira
hacia el cielo como una luz cálida que parece ofrecer la promesa de liberación.
En la parte superior derecha, un hombre de rostro rubicundo fuerza la corona de
espinas sobre la cabeza de Cristo mientras mira directamente a los
espectadores, un recurso pictórico que los implica y los involucra en el acto
violento.
ORAZIO GENTILESCHI
PENITENTE SANTA MARÍA MAGDALENA
Estimación $4,000,000 - $6,000,000
Uno de los artistas más importantes e influyentes del
círculo de Caravaggio, Orazio
Gentileschi (junto con su hija, Artemisia) fue muy apreciado como pintor
durante su vida, un período que vio una notable cantidad de cambio e innovación
artística. Nacido en Pisa en 1563, la
ilustre carrera internacional de Gentileschi lo vio viajar mucho, incluso a
Florencia, Roma, Turín, París y Londres, y contó con nobles y monarcas entre
sus mecenas, pasando los últimos 12 años de su carrera como uno de los
principales pintores de la corte inglesa de Carlos I.
La Penitente Santa María Magdalena de Gentileschi marca el
momento crucial cuando el estimado mecenas Giovanni Antonio Sauli invitó al
artista a Génova para crear tres obras a gran escala. La comisión de Sauli se
anuncia hoy como una de las más importantes de la carrera de Gentileschi; las
otras dos obras de este encargo, Danaë y Lot y sus hijas, se encuentran ahora
en la colección del Museo J. Paul Getty. Cuando se vendió en Sotheby's en 2016,
Danaë se vendió por más de 30 millones de dólares, lo que estableció un récord
de subasta para el artista.
En esta obra grande e impresionante, Gentileschi retrata a
la penitente Magdalena como devotamente religiosa, pero también con una
sensualidad mística. La escena se deriva de la Leyenda Dorada del siglo XIII de
Jacobo de Voragine, que sigue la conversión de María Magdalena y su huida de
Palestina. Gentileschi la retrata refugiándose en una cueva de montaña cerca de
Marsella, donde pasó los últimos treinta años de su vida. Pictóricamente, la
Penitente Santa María Magdalena está en deuda con los importantes antepasados
de Gentileschi del siglo XVI: la posición extendida de la Magdalena, paralela
al plano del cuadro, se extrae de la obra de Correggio, mientras que la imagen
de ella perdida en un divino ensueño mira hacia Tiziano.
Esta interpretación magistral de la Magdalena encapsula la
combinación de dos elementos fundamentales en el arte de Gentileschi: el poder
y el naturalismo de su socio cercano y amigo, Caravaggio, y una sofisticación
formal derivada de sus tradiciones toscanas nativas.
BERNARDO CAVALLINO
SAN BARTOLOMÉ
Estimado $2,500,000 - 3,500,000
“La inquietante pintura de Bernardo Cavallino de San Bartolomé sosteniendo el cuchillo con el que será martirizado mientras mira fatalistamente al vacío, contemplando el destino que le espera. ¿Quién diría que el más elegante de los pintores podría sondear tales profundidades de oscuridad?
Keith Christiansen,
Curador Emérito, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York
Con más de metro y medio de altura, este lienzo
espectacularmente grandioso es una de las obras más grandes que Cavallino haya
pintado jamás. También es una de las pocas obras maestras del artista que
quedan en manos privadas. La obra probablemente fue pintada en la década de
1640 en Nápoles, donde se puede identificar en varias colecciones tempranas
importantes.
Ninguna otra pintura de esta calidad ha aparecido en el
mercado desde Lot y sus hijas y la Embriaguez de Noé. Ese par alcanzó el precio
aún récord de 1,9 millones de dólares en 1989 cuando entraron en la colección
de Peter Jay Sharp y posteriormente fueron adquiridos por el Museo
Thyssen-Bornemisza de Madrid.
Con una paleta casi
monocromática, la pintura es marcadamente moderna y se centra en la figura
musculosa de San Bartolomé, que sostiene un cuchillo que presagia su eventual
martirio, cuando sería desollado vivo. La poderosa intensidad de la obra
deriva tanto de su tenebrismo expresivo y composición dramática como de la
representación naturalista del santo, realizada con una pincelada virtuosa.
GUILIO CESARE
PROCACCINI
Judit y Holofernes
Estimación $1,000,000 - $1,500,000
“¡Qué imagen tan
sorprendentemente audaz! Esta extraordinaria Judit con la cabeza de Holofernes
de Giulio Cesare Procaccini fue creada para uno de los coleccionistas más
importantes de Génova, Gian Carlo Doria, quien también fue mecenas de Rubens
durante la estancia del maestro flamenco en Italia.
Keith Christiansen,
Curador Emérito, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York
La sorprendente historia apócrifa de Judith está
representada aquí por Guilio Cesare Procaccini, uno de los principales artistas
milaneses del siglo XVII. La obra fue encargada por Gian Carlo Doria, uno de
los mecenas de arte genoveses más importantes del siglo XVII, en la década de
1610, cuando Procaccini estaba en el apogeo de sus poderes artísticos. Aunque
la procedencia de la obra se puede rastrear en el siglo XVII, la pintura es un
descubrimiento reciente, reapareciendo solo en 1992, cuando se vendió en
Sotheby's, Londres, por £ 209,000.
La historia de Judith
y Holofernes fue especialmente popular durante el siglo XVII y estuvo
ampliamente representada en la música, la literatura y las artes visuales.
Según la narración bíblica, la bella viuda Judith entra en la tienda del cruel
tirano Holofernes, un general asirio a punto de destruir su ciudad natal de
Betulia. Una vez abrumado por la bebida, Holofernes se desmaya y Judith lo
decapita rápidamente. En Judith and Holofernes de Procaccini, el artista
representa el momento inmediatamente posterior a la decapitación: la anciana
sirvienta de Judith, que aparece de la oscuridad en la parte superior derecha
de la composición, aún no se ha descartado con la cabeza de Holofernes.
Lo más llamativo es el encuadre apretado y compacto, a través del cual Procaccini sitúa al espectador casi dentro de la escena, implicándolo así en el acto violento. Una seductora Judith nos invita a seguir adelante y, ataviada con seda y perlas, sonríe tímidamente con un brillo casi alegre en los ojos.
La pintura muestra las habilidades pictóricas de Procaccini: el rostro de Judith está pintado con un acabado exquisito, mientras que su sirvienta está representada con un toque más suelto. Las cortinas vibrantes en el tercio inferior de la obra se ejecutan con una libertad casi expresiva.
GIOVANNI FRANCESCO
BARBIERI, LLAMADO GUERCINO
JACOB SOSTENIENDO LA
TÚNICA ENSANGRENTADA DE JOSÉ (En el video)
Estimado $1,500,000 -
$2,000,000
“Cuando se compró esta
imagen, estaba extremadamente sucia, tanto que cuando se limpió se hizo
evidente que no solo era la primera versión original de Guercino, de una imagen
conocida en algunos otros ejemplos menores, sino que también estaba fechada en
una época temprana mágica en la trayectoria de Guercino. Fue a partir de esa
adquisición temprana que se estableció un nivel de tono y gusto para la
colección. Para mí personalmente, se convirtió inmediatamente evidente que solo
se considerarían las imágenes más atrevidas y de mejor calidad de los mejores
artistas. De hecho, ese fue el resultado final”.
George Wachter,
presidente de Sotheby's y codirector mundial de pinturas de maestros antiguos.
En una conmovedora
escena, Giovanni Francesco Barbieri (apodado Guercino), capta la angustia
paterna del patriarca Jacob del Antiguo Testamento al enterarse de la supuesta
muerte de su hijo predilecto, José. Probablemente terminado en 1620, el trabajo
data del célebre período temprano de Guercino, anterior a su primer viaje a
Roma en 1621.
Pintada durante la 'Edad de Oro' de la carrera de Guercino,
esta obra es la mejor de las cuatro versiones autógrafas conocidas de la
composición. El erudito de Guercino, Denis Mahon, describió la obra como de una
calidad "manifiestamente superior" a las versiones existentes y de
una procedencia superlativa: un grabado de la década de 1730 de Joseph van Loo
lleva una inscripción que ubica la pintura en la colección de Simon Lenfant,
quien se desempeñó como Louis Trésorier general y commissaire général des
guerres del XIV. La obra también se corresponde con una pintura registrada en el
inventario póstumo de 1686 de Maffeo Barerini, Príncipe de Palestrina.
En esta obra
deslumbrante, Jacob, sosteniendo la túnica ensangrentada de su hijo, mira hacia
el cielo con desesperación confundida. Guercino pinta con gran atención los
rasgos marchitos de Jacob, su mirada hacia arriba y su expresión atormentada
subrayando su conmoción y angustia.
Representando la
escena más como un ícono que como una narración, Guercino omite a los hijos de
Jacob quienes, celosos de su chochez con José, tramaron su muerte, despojándolo
de sus ropas y arrojándolo a un pozo, antes de venderlo por veinte piezas de
plata. a los comerciantes de paso.
La escena de Guercino se desvía de tratamientos anteriores
de Jacob en la representación de la túnica de José como una simple prenda
blanca, en lugar de una túnica multicolor o ricamente adornada. Esto contrasta
con Jacob, que está envuelto en una franja de tela azul y púrpura, lo que
resalta aún más la tela blanca iluminada salpicada con tonos carmesí y rojo. El
lamento de Jacob puede verse como una prefiguración de la crucifixión de
Cristo, la túnica salpicada de sangre anticipa el taparrabos blanco de Cristo.
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